Editions Parenthèses

Principes fondamentaux de l'histoire de l'art

Varoujan — 2017-11-01T09:45:00Z

Longtemps, l'histoire de l'art a consisté en l'analyse des symboles, des sujets, des biographies d'artistes. Heinrich Wölfflin, à travers Principes fondamentaux de l'histoire de l'art, paru en 1915, a radicalement changé la façon de regarder les œuvres. Il va ériger une véritable discipline dotée d'une méthode rigoureuse basée sur le comparatisme. S'appuyant sur la période des XVI^e et XVII^e siècles, aussi bien en Italie qu'en Europe du Nord, il va confronter des œuvres représentatives de la Renaissance et du baroque en appuyant sa démonstration sur cinq couples de catégories : le passage du linéaire au pictural, le passage — dans la présentation — des plans parallèles à la profondeur, le passage de la forme fermée à la forme ouverte, le passage de la pluralité à l'unité et la clarté absolue ou la clarté relative des objets présentés. En étudiant tableaux historiques ou religieux, peinture de paysages, portraits ou même natures mortes, Wölfflin va « faire parler les contrastes » entre deux types, saisir les transformations, les styles et, plus largement, révéler la physionomie générale d'une époque, sa conception du monde.
« Botticelli et Lorenzo di Credi s'apparentent par leur époque et leur lieu d'origine ; tous deux sont des Florentins de la fin du Quattrocento. Or, quand Botticelli peint un corps féminin, celui-ci, de par sa nature même et par un certain mode d'appréhension de ses formes, lui appartient aussitôt en propre, et se différencie d'un nu de Lorenzo aussi nettement qu'un chêne d'un tilleul. »

Renaissance et baroque

Varoujan — 2017-06-15T08:37:00Z

« L'espace intérieur de la Renaissance est calculé pour que l'homme le maîtrise, pour qu'il puisse le combler de son sentiment vital ; dans le baroque, l'homme est englouti par l'espace, la démesure le submerge. »
Longtemps, le terme baroque fut employé pour décrire le style en lequel la Renaissance se serait désintégrée. Renaissance et baroque est le premier ouvrage d'histoire de l'art à envisager les choses autrement et à démontrer que le baroque, loin d'être réduit à une dégénérescence, relève au contraire d'une esthétique propre. Pour définir ses valeurs formelles, le jeune Heinrich Wölfflin — celui‑là même qui deviendra l'un des plus grands théoriciens de l'art du xix^e et du début du xx^e siècle — va les opposer à celles du classicisme de la Renaissance. Il compare ainsi les œuvres des maîtres tels que Bramante, Raphaël, Peruzzi, Sangallo, Michel-Ange, Vignole, Della Porta, Maderna, et s'appuie sur des exemples romains, là « où on savait le mieux ce qu'est une forme rigoureuse », là aussi où eut lieu « la transformation la plus complète et la plus radicale de la Renaissance ». À travers l'évolution des styles et des goûts dans la peinture et la sculpture, mais surtout dans l'architecture des églises, palais, villas, fontaines et jardins, c'est l'expression de l'état d'âme de la société italienne des xvi^e et xvii^e siècles qui est ici révélée. Une éblouissante leçon d'histoire de l'art.

Nicolas de Staël, Le combat avec l'ange

2009-09-30T22:00:00Z

« Il y a du givre et ci et là […] près des terres graves étonnamment distribuées. Cela s'étend jusqu'au rideau de l'ombre portée aux premiers nuages. Tout près à l'horizontale sans ouate, clair, simple, à l'immobile, nuages. Au-dessus la valse des roses, tous les roses. C'est très joli chaud clair pompon praline peau de fille duvet cocotte sublime le ciel quoi, le ciel. Ce serait à faire presque tel avec à peine plus d'ordre sur terre […] quelle histoire vous voyez cela, le paysage prêt à chavirer sans poids à la limite de l'incertitude. » Nicolas de Staël (Londres, février 1952).
Reconnu comme un des tout premiers peintres de son temps, Nicolas de Staël a-t-il été aussi le dernier chaînon d'une longue histoire qui aurait commencé avec les mosaïques de Ravenne pour s'achever avec la peinture abstraite des années cinquante ?
C'est la thèse que soutient Guy Dumur dans cet essai qui analyse l'œuvre de Staël à la lumière de sa brève existence. Il se pourrait bien, nous dit-il, que Staël se soit suicidé à quarante et un ans, en pleine maîtrise de ses moyens et en plein succès, parce qu'il savait que la peinture ne pouvait plus lui donner la réponse qu'il avait posée avec angoisse et violence. Pourtant, Staël n'avait vécu que pour elle.
L'amitié entre Guy Dumur et Nicolas de Staël est ici restituée à travers quelques lettres du peintre (décembre 1951-juin 1954), qui prennent un relief particulier puisque moins d'un an après cette dernière lettre, imprévisiblement, il se suicide en se jetant du haut de son atelier, sur les remparts d'Antibes.

Du style et de l'architecture

2007-09-30T22:00:00Z

Il aura fallu attendre près de cent cinquante ans pour que paraissent en français les premières traductions de textes de celui qui est considéré comme le plus grand théoricien allemand de l'architecture du xix^e siècle et dont l'influence est encore clairement perceptible dans les références de jeunes architectes européens.
Le présent ouvrage offre un large éventail de textes de Gottfried Semper qui vont des Remarques préliminaires sur la couleur écrit en 1834, où est débattue la question de la polychromie de l'architecture antique, jusqu'à la conférence de 1869 intitulée « Des styles architecturaux » où est exposée de manière très synthétique sa théorie de l'architecture comparée et de la notion de style confrontée à l'émergence de la nouvelle théorie de l'évolution dont il veut bien admettre les conclusions quant aux organismes mais pas quant à l'évolution des formes artistiques. D'importants extraits de Der Stil sont traduits ici et les principaux éléments de la théorie du style de Semper, les concepts clés de « revêtement », de « beauté formelle », de « type » et d'« élément », font l'objet de traitements plus spécifiques dans des textes aussi différents que Les Quatre éléments de l'architecture, De la légalité formelle de l'ornement, L'Art textile ou Des styles architecturaux, tous traduits intégralement.
L'ensemble devrait permettre d'appréhender la richesse et la complexité d'une pensée singulière pour qui la forme artistique — du simple récipient au temple de dimension colossale — est conçue bien au-delà du seul « besoin », et se cristallise en ce point où se croisent des lois et forces physiques, des contraintes matérielles inhérentes à l'utilisation de tel matériau, enfin des idées et volontés qui caractérisent l'homme en tant qu'animal politique et religieux. C'est à l'appréhension de ce foyer cosmique au sein duquel interagissent le physique, le matériel, l'histoire et le politique, que s'intéresse Semper mobilisant en permanence un vaste ensemble de références scientifiques, esthétiques, littéraires ou historiques.

Cézanne, d'un siècle à l'autre

2006-02-28T23:00:00Z

Ce recueil d'études consacré à l'œuvre de Cézanne ainsi qu'à des artistes fortement marqués par son influence veut montrer que, tout en menant à leur accomplissement les principales innovations picturales du xix^e siècle, Cézanne est à l'origine de celles qui ont transformé la pratique des arts au xx^e siècle.
L'ouvrage met en jeu trois approches complémentaires : Conduites où l'œuvre de Cézanne est étudiée du point de vue de sa poïétique ; ?uvres où sont analysées un certain nombre de toiles, découvrant constantes et ruptures, permanence de thématiques et les enjeux de la pratique de la série ; Suites qui examine le profit que des artistes ultérieurs ont su tirer de l'observation de l'œuvre du peintre aixois. Notre regard contemporain est ainsi amené à confronter l'œuvre de Cézanne aux travaux de Fernand Léger, Paul Klee, Pierre Buraglio, Richard Diebenkorn et Pierre-Jean Amar, qui attestent la fécondité de l'exemple cézanien.

Le livre de l'ornement et de la guerre

2003-07-31T22:00:00Z

Une méthode qui chercherait à se tenir au plus près de son objet, et qui donc procéderait par nœuds, construisant de proche en proche un entrelacs, un pattern, une broderie. D'où par effet méthodologique le fait que ce livre ne commence pas et ne finit pas non plus — n'en finit pas : de faire des nœuds et dessiner des arabesques. Est-ce avec la violence, le don, le sacrifice, la beauté ou la sexualité que l'ornement s'enroule pour former un premier lien, une première attache ? Réponse indécidable, question hors méthode, laquelle n'est pas un chemin avec un départ et une arrivée, plutôt un déroulé, à la manière d'un tapis ou d'un papier peint, avec des motifs qui puisent leur iconographie tantôt dans l'architecture, l'art, la philosophie, la décoration intérieure, l'anthropologie. Éclectisme, autrement dit « aptitude à choisir », dans différents champs, différents domaines, car rien n'est étranger à l'ornement — même pas la guerre.

Georges Duby

2000-10-31T23:00:00Z

Georges Duby [1919-1996] a laissé sur l'art de nombreux textes, aussi éclairants pour la peinture contemporaine que pour le Moyen Âge, sa spécialité, textes confiés à de multiples supports‑ : livres, journaux, périodiques, entretiens radiodiffusés… Son goût des images et de la communication l'a par ailleurs familiarisé avec la télévision où il s'est beaucoup exprimé, comme intervenant ou comme créateur, avant de présider pendant quelques années la première chaîne culturelle, la Sept.
La présente anthologie réunit une sélection commentée de toutes ces interventions et de tous ces textes, des plus élaborés aux plus impromptus, des plus connus aux plus inaccessibles, avec en annexe une bibliographie de ce que Duby a pu dire, écrire et montrer sur l'art et l'image. L'iconographie puise à la fois dans les références du médiéviste et dans la production des artistes qu'il a côtoyés ou admirés‑ : Alechinsky, Amado, Masson, Pignon, Soulages…
Cet ouvrage révèle un Duby qui, face aux œuvres d'art quelles qu'elles soient, cesse rarement de réagir en historien, toujours attentif au témoignage séculaire qu'y donnent d'elles-mêmes les sociétés, et à leur langage ancien ou actuel. L'historien entend et comprend le message de toutes ces voix, qu'elles parlent, qu'elles crient, qu'elles construisent la longue prière d'une cathédrale ou qu'elles donnent à déchiffrer la langue nouvelle de l'art abstrait.